现代社会已习惯将西方艺术视为主流艺术，亚洲艺术作为世界艺术不可分割的一部分，是怎么被西方逐步认识，又产生过哪些影响呢？
东方艺术最早被欧洲认识，似乎可以追溯到马克·波罗。他在有关杭州的描述中，提到豪宅中的一些绘画。但是很明显他对这些绘画不感兴趣，给他留下深刻印象的是这个城市的300个温泉浴池、居民的彬彬有礼、滨湖大道上的华丽马车、宫殿和寺庙。中国人精神方面的东西，对他来说不过是消极的迷信、偶像崇拜者的幻觉。这是在亚洲游历的西方人的一般态度。西方人的优越感以及要把标准强加给别人的固执态度，妨碍了他们对东方艺术有任何真心实意的接触。这种情况一直持续到19 世纪后期。
在此之前，西方只是断断续续受到来自东方的影响。
波斯地毯、中国瓷器、日本漆器……再精美的器物也仅被视为优秀的匠人作品。
尽管荷兰伟大的艺术家伦勃朗从一本莫卧儿细密画的画册中获得许多素材，洛德大主教拥有一册1640年的印度线描画，但这只能引起大家的好奇。
人们以颇具优越感的态度，用“curio”（古玩）这个词称赞这些东西，对绝大多数人来说，这就代表了东方艺术。
伦勃朗的代表作《夜巡》
1656-1661年间，伦勃朗留下了25件模仿印度莫卧儿王朝细密画的素描作品，这件为《坐在树下的四位毛拉》
17 世纪和18 世纪，中国的瓷器、墙纸、花绸、漆器和家具大量进口到欧洲，在装饰艺术领域确实涌起了中国风的狂潮。法国洛可可代表画家华托及其追随者在中国设计师趣味横生的幻想中找到了欢快的启示和主题。这些启示和主题又启发了奇彭代尔——18 世纪英国最杰出的家具设计师和工艺大师，被誉为“欧洲家具之父”，使他设计出椅子和橱柜的新样式。欧洲的瓷器工厂竞相模仿中国制品。人们并没有意识到，瓷器上的那些图案折射出了当时的中国绘画。
华托绘于钢琴盖板上的油画《中国系列》，受到中式屏风启发，画面也是幻想中的东方的异国情调
奇彭代尔吸收中式窗棂纹样设计的椅子
文艺复兴痴迷人的个性及力量的支配，艺术主题总是围绕着人，因此无论是动物的生活还是花卉的生活，在欧洲有好几个世纪都是极少被关注的。这时从中国人那里，西方人不仅发现了花卉世界中丰富的绘画主题，而且接触到了不同的宇宙观。中国人总是将花卉与鸟类联系在一起，就好像鸟类在枝叶间跳跃、叶子为之颤动时，鸟的歌声清晰表达了花卉在舒放和向阳光伸展中的无声的愉悦。这样，人的精神便在这复杂的生命之网中，从一种关系被引导至另一种关系。
宋代 佚名 《桃枝栖雀图》
明代 蓝瑛 《花鸟十二帧·柳莺红杏》
大约在1860年，日本一些零散的浮世绘——一种日本江户时代非常平民价格的彩色木板版画被带到了欧洲。据说第一批版画被运到巴黎是用作产品的包装纸，因为这些印刷品在日本很便宜，没有被看得那么珍贵。但在欧洲，有些艺术家却非常关注这些版画，对它们发出欢呼，莫奈、德加、梵高这些印象派画家的创作也从浮世绘中吸取灵感。于是更多的浮世绘被运了过来，收藏家争相收藏。
莫奈 《穿日本和服的卡美伊》
梵高临摹歌川广重的《名所江户百景·龟户梅屋铺》
德加没有用显眼的充满东方韵味的道具，他吸收了日本审美中不对称的构图、悬空的透视、留白空间中的抽象元素。
欧洲自文艺复兴以来，探索的热情、对新素材的吸收和对新的表现方法的采用，对创造性艺术家来说都是一种极大的激励。科学的元素不可避免地在一切成熟的绘画中起着重要的作用。但这种成分已经被过度培育了。准确的解剖，准确的透视，光、影和大气作用的表现，这一切都被视为绘画艺术的要素。可当一个场景的视觉印象可以被完全彻底地呈现在画布上，绘画便停滞不前了。人们认识到这些科学元素固然重要，但只是手段而不是目的。西方艺术家又从外表的描绘回到真正根本的问题：富有节奏的构图。这样一来，再去欣赏那些运用不同表现方式的艺术就变得容易多了。
这些浮世绘告诉西方艺术家，线条和色彩的运用可以是多么经济有效。正是这些日本版画第一次使西方人去猜想亚洲艺术可能不只是精美的手工艺品和日用装饰，还有更伟大的东西。日本艺术也由此被视为可以跟西方艺术进行比较的一种东方艺术。喜多川歌麿，这位日本江户时代浮世绘画家，成为第一位在欧洲受欢迎的日本木版画家。
喜多川歌麿以描绘妇女半身像或日常生活、娱乐场景中的妇女见长
半个世纪之中，日本出版物以其令人惊叹的复制技术向西方人展示了所有日本绘画和雕刻的经典，还有保存在日本的精彩的中国艺术范本。西方收藏家从而转向了中国，中国绘画开始进入欧洲和美国。
许多国家的考古学家被派往中国，中国佛教雕塑宝库被揭开了面纱。
从中国的佛教艺术不可避免地又引向印度的佛教艺术，然后又进入世俗的印度艺术。尽管欧洲人了解印度的雕塑和建筑已有几个世纪，但之前印度艺术仅仅被认定为“异教徒的偶像”。到了二十世纪二三十年代，波斯艺术尤其是波斯的绘画，才开始获得其应得的荣誉。对西方人来说，最远端的东亚艺术先一步进入了视野，而较近的西亚艺术却要成为最后得到赏识的对象了。
在16 世纪的波斯绘画中，亚历山大经常被描绘成留着胡须、身穿波斯服装的样子
正因为亚洲艺术引起了越来越多西方人的兴趣，1933 年至1934 年，哈佛大学诺顿讲座上才有了劳伦斯·比尼恩讲述东方艺术的系列讲座。
诺顿讲座始创于1925年，主题为艺术，讲座通常以6讲为一系列，邀请的都是建筑、音乐、绘画等艺术领域最杰出的创作者和学者，其中有文学家艾略特、博尔赫斯、卡尔维诺，音乐家斯特拉文斯基、约翰·凯奇，艺术史学家高居翰等。讲座的水准之高以及受欢迎的程度，以至于通常讲座结束之后，讲稿直接出版成书。
劳伦斯·比尼恩，我们可能更熟悉他在文学创作上的成就，那首为一战中英国阵亡军人写的《献给阵亡者》（For The Fallen），曾被各种纪念一战的活动引用：
They shall grow not old, as we that areleft grow old: Age shall not weary them, nor the years condemn. At the goingdown of the sun and in the morning. We will remember them。
而他在文化研究，尤其是亚洲艺术领域同样取得了令人瞩目的成绩，而他在文化研究，尤其是亚洲艺术领域同样取得了令人瞩目的成绩， 1893年他开始在大英博物馆工作，负责管理东方版画和绘画，同时从事东方艺术史的研究。他所著《远东的绘画》（1908）一直被视为这方面的权威性著作，出版于1911 年的《龙的飞腾》专门评述中国和日本的绘画。他还编写了《大英博物馆藏亚洲艺术品》《英国收藏的中国绘画》《亚洲艺术：雕刻与绘画》《大英博物馆藏中日木刻作品目录》《日本艺术》《尤摩弗帕勒斯收藏目录：中国壁画》等。
其实直到19 世纪下半叶，大英博物馆收藏的中国文物还仅限于陶器、瓷器、实用器皿之类，中国文人书画似乎还无人能理解，因而没有进入馆藏。1881 年至1882 年，大英博物馆购买了曾在日本当军医的外科医生威廉·安德森的收藏。在200余幅中国和日本的绘画作品中，有114 幅中国绘画，主要是明清文人的山水花鸟绘画。
其中有一幅明代朱邦的《北京宫城图》，画的是鸟瞰视角下的紫禁城，成为遥远的西方人了解中国的一个入口。
而后，中国绘画大规模进入大英博物馆，就与已在大英博物馆工作的劳伦斯·比尼恩不无关系。经他手中鉴定购入的，还有东晋顾恺之《女史箴图》的唐摹本这件顶级中国艺术瑰宝。
东晋顾恺之《女史箴图》（唐摹本，局部）
正是由于劳伦斯·比尼恩的努力，大英博物馆中国绘画的收藏总量达到了575 幅。
天生的艺术气质和深厚的文学修养，给予他超出常人的鉴赏眼光，帮助他摆脱那个时代的艺术偏见，在大英博物馆40年的工作经历，在亚洲“朝拜”的艺术遗迹和杰作，在欧美各大博物馆欣赏的丰富的东方艺术收藏，还有就是自19 世纪80年代起大英博物馆迅速增加的中国绘画收藏，为他提供了对东方绘画最直观和极深入的体验，并激发了他将自己的感受和思考传达给西方艺术爱好者的热望。他有关东方绘画的著作是为他们写的，他有关亚洲艺术的系列讲座也是为他们开的。
劳伦斯·比尼恩在哈佛大学这六次讲座内容的集合，1935 年由哈佛大学出版社出版，就是《亚洲艺术的魂》。
他面对的读者和听众，可能对东方艺术一无所知，甚至可能对欧洲以外的艺术怀着很深的偏见。而劳伦斯·比尼恩显然非常胜任艺术教育家的身份，他的内容避免了深入的专业探讨，多从个人的感受和思考出发，既有大胆的设想，又有深切的感悟，举例注重说服力，语言讲究节奏且富有诗意。他讲述的中国艺术、印度艺术、波斯艺术、日本艺术，在概括不同地区不同历史时期艺术特征的同时，更注重展示不同地区相互间的影响：印度佛教怎样影响中日艺术？一边是希腊与拜占庭，一边是中国与印度，波斯艺术走向何方？亚洲的种族和信仰差异这么大，亚洲各国的艺术共同点有多少？
最终归结出亚洲艺术的整体感，这种整体感是在将东方艺术与西方艺术的对比中呈现出来的。他的字里行间蕴含着对东方艺术的激情和敬意，有时他甚至不惜去挑战西方人普遍接受的审美观点。这本书的目的就是想帮助西方人消除这类偏见。作为亚洲艺术的入门书，其实也为中国读者提供了重新认识亚洲艺术的机会：中国青铜器、波斯绘画、印度雕塑、日本浮世绘……我们真的比西方人更懂它们吗？
《亚洲艺术的魂》中文版已出版